Le légendaire pianiste de jazz Herbie Hancock a été surnommé Mwandishi, ce qui signifie « le compositeur » en Swahili, et dès le début de sa carrière, il a prouvé que ce surnom était approprié. Nous jetons ici un œil à ses premiers albums en tant que leader d’orchestre dans les années 1960 en sélectionnant cinq chansons qui mettent en valeur son génie harmonique.
Watermelon Man
La composition la plus durable et la plus connue de Herbie Hancock, « Watermelon Man », fut aussi sa toute première. Enregistrée en 1962 pour son premier album solo « Taking’ Off » sur Blue Note, Herbie s’est inspiré de son enfance dans le Chicago des années 1940. Le groove décontracté de « Watermelon Man » provenait du rythme des charrettes tirées par des chevaux circulant dans les rues pavées, tandis que la mélodie était interpolée par les femmes qui appelaient le vendeur de pastèques (“Watermelon” en anglais). Peu de temps après, le conguero cubain Mongo Santamaria a ajouté un rythme pour une version de son propre album, et la fusion du rythme afro-cubain et du jazz blues s’est avérée être un succès commercial et critique.
Hancock a également enregistré une version ultérieure avec son groupe Headhunters, réduisant la mélodie à un rythme funk emblématique qui est ensuite devenu une partie du lexique du hip-hop, samplé par d’innombrables artistes tout au long des années 1990 et au-delà.
Mimosa
Le troisième album de Hancock, « Inventions and Dimensions », était à l’époque la session la plus libre que le leader du groupe ait enregistrée, et réunissait deux thèmes que Hancock avait soigneusement étudiés : le rythme et la liberté.
Le morceau « Mimosa » capture magnifiquement cette dualité, en s’ouvrant sur une progression d’accords qui semble déconnectée, avant d’être ancrée par la basse galopante de Paul Chambers et les percussions latines de Willie Bobo et Chihuahua Martinez. Hancock avait également travaillé avec Eric Dolphy et cette expérience lui avait ouvert les yeux sur la possibilité d’une plus grande spontanéité lors de la composition et de l’enregistrement. Bien que la musique soit détendue et spacieuse, il y a une certaine logique dans la progression harmonique – sur laquelle Hancock avait travaillé avec Miles Davis. « Mimosa » et « Inventions and Dimensions » ont marqué une démarche consciente de Hancock pour poursuivre ses explorations du groove, tout en recherchant un mouvement harmonique plus libre.
Cantaloupe Island
Au milieu des années 1960, Hancock avait une vingtaine d’années et jouissait d’un statut de superstar du jazz en tant que membre du deuxième grand quintet de Miles Davis et en tant que chef d’orchestre à part entière. Mais alors qu’il expérimentait le hard bop et faisait des clins d’œil à l’avant-garde, c’est une autre tranche de jazz soul sous la forme de « Cantaloupe Island » qui a pris le devant de la scène lors de son enregistrement en 1964.
Initialement présente sur le quatrième album solo de Hancock, « Empyrean Isles », la musique blues de « Cantaloupe Island » se démarque des autres compositions modales. Mais elle offre toujours une grande marge de manœuvre au trompettiste Freddie Hubbard et à Hancock lui-même pour improviser, ce qu’ils font avec retenue et élégance, sondant la structure plutôt que de la démanteler. « Cantaloupe Island » a ensuite été reprise par de nombreux contemporains de Hancock, et a également été samplée par le groupe britannique US3 au début des années 1990, peut-être à l’apogée de l’ère du jazz hip-hop.
Maiden Voyage
En 1964, Hancock a composé la figure rythmique désormais emblématique de « Maiden Voyage » dans l’avion, assis à côté de Wayne Shorter, et il l’a écrite sur une serviette en papier qu’il a ensuite perdue. Mais cela n’a pas eu d’importance : quelques semaines plus tard, il l’a enregistrée avec d’autres membres de la section rythmique de Miles Davis, le bassiste Ron Carter et le batteur adolescent Tony Williams.
La sensation de flottement de la composition est encore renforcée par sa progression harmonique, qui évite de revenir à une tonalité d’origine et tourne librement autour de son centre implicite. « Maiden Voyage » est devenu un standard instantané, et sa qualité méditative s’est démarquée des autres morceaux de jazz plus audacieux et plus agressifs de l’époque. Elle a fait de Hancock non seulement un pianiste et un compositeur visionnaire, mais aussi un musicien singulier qui n’avait pas peur de sortir des sentiers battus et d’aller à contre-courant.
The Sorcerer
Pour son album de 1968 « Speak Like A Child », Hancock a réuni un sextuor inhabituel qui utilisait la flûte alto, le trombone basse et le bugle, et évitait les solos de groupe pour des couleurs tonales rêveuses dans la veine de Gil Evans.
La composition « The Sorcerer » conclut l’album et a été inventée d’après le surnom de Hancock pour Miles Davis. Contrairement au reste de « Speak Like A Child », la version de Hancock de « The Sorcerer » est réduite au seul trio, et ralentie pour laisser à Hancock un maximum d’espace pour exécuter des solos fulgurants et poser une version que Davis a sans doute approuvée. La maxime de Hancock de permettre plus de pureté et de spontanéité enfantine est pleinement exposée, et a prouvé une fois de plus que malgré son esprit pionnier, on pouvait toujours compter sur Hancock et le groupe pour livrer un chef-d’œuvre post-bop au swing dur.
Max Cole est un écrivain et passionné de musique basé à Düsseldorf, qui a écrit pour des labels et des magazines tels que Straight No Chaser, Kindred Spirits, Rush Hour, South of North, International Feel et la Red Bull Music Academy.
Crédit photo : Herbie Hancock. Photo : Francis Wolff / Blue Note Records.